HISTORIA DEL ARTE

 EL GUERNICA 

Guernica es una pintura mural al óleo elaborada en el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España 1881-Mougins, Francia 1973). Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Reina Sofía en Madrid, España.

El cuadro fue un encargo del gobierno de la Segunda República en España para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937, en pleno contexto de la Guerra Civil española. Picasso no recibió ninguna petición acerca del tema, de modo que demoró algún tiempo en hallar un concepto apropiado. A partir de esta situación, surgen una serie de dudas respecto a la génesis y tema real del lienzo.

Guernica se considera uno de los cuadros más importantes de la carrera del pintor Pablo Picasso y del siglo XX, tanto por su carácter político como por su estilo, una mezcla de elementos cubistas y expresionistas que lo tornan único. Cabe preguntarse qué representa, de dónde deriva su carácter político y cuál es el significado que el pintor le atribuye.

¿Qué representa el cuadro Guernica?

En la actualidad, existen dos tesis en debate sobre qué representa el Guernica de Pablo Picaso: la más extendida defiende que se inspira en el contexto histórico de la Guerra Civil española. Otra, más reciente y escandalosa, insiste en que se trata de una autobriografía.

Contexto histórico

La mayoría de las fuentes señalan que el cuadro Guernica representa un episodio enmarcado en el contexto histórico de la Guerra Civil española. Para entonces, Guernica —ubicada en Vizcaya, País Vasco—, estaba bajo el control de la Segunda República y tenía tres fábricas de armamento.

En consecuencia, el 26 de abril de 1937, la población de Villa Vasca de Guernica fue bombardeada por la Legión Cóndor de las fuerzas de aviación alemanas, apoyadas por la aviación italiana. El bombardeo dejó un saldo de 127 fallecidos, despertó la reacción popular y repercutió en la opinión pública internacional.

Una posible autobiografía

Tras el análisis de los bocetos para el lienzo y su datación, algunos investigadores se ha preguntado si realmente Picasso se propuso desde el inicio una representación deliberada de los bombardeos sobre Guernica.

En un artículo de Macarena García titulado ¿Y si el ‘Guernica’ contara otra historia?, en el que reseña el libro Guernica: la obra maestra desconocida de José María Juarranz de la Fuente (2019), se informa que la obra habría comenzado a realizarse antes de que se tuviera conocimiento de los bombardeos.

El tema inicial habría sido, según Juarranz, un relato autobiográfico familiar del pintor, que recorre su historia con su madre, sus amantes y su hija, la cual estuvo a punto de morir tras el alumbramiento. Esta hipótesis ya habría sido sugerida por Daniel-Henry Kanhweiler, marchante y biógrafo del pintor malagueño.

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HISTORIA DEL ARTE

 CLAUDE MONET

Claude Monet es un pintor francés conocido por su aportación en el movimiento artístico denominado Impresionismo. Nacido en París, el 14 de noviembre de 1840, pasa su infancia en Normandía, en la ciudad de El Havre, donde se instala junto a su familia con tan sólo cinco años. Poco a poco, el joven Monet logra desarrollar su pasión, empezando por la caricatura y, en 1859, estudiando pintura en la Academia Suiza de París, con el apoyo de su padre. Su marcha a Argelia al servicio militar en 1861 interrumpe sus estudios, sin embargo, continúa experimentando diferentes efectos artísticos. A su vuelta a París en 1862 tras una enfermedad que contrae (pleuresía), conoce al pintor suizo Charles Gleyre y trabaja junto a Alfred Sisley, Auguste Renoir y Frédéric Bazille, que se convertirán en buenos amigos.

Durante la segunda mitad de la década de 1860, Monet pinta un estilo que recuerda al de Edouard Manet. A medida que amplía su estilo, Claude Monet se enfrentará a dificultades económicas, ya que ningún Salón quiere exponer sus lienzos, a pesar del éxito de La Femme en robe verte, que representa a Camille Doncieux, la mujer que se convertirá en su esposa en 1870. Posteriormente, Monet viaja a Londres durante la Guerra franco-prusiana y conoce al comerciante Paul Durand-Ruel, quien le comprará sus lienzos y contribuirá a la difusión de las obras de los impresionistas.

 

Una parte del futuro grupo de impresionistas se une en 1872 en Argenteuil —formada por Monet, Manet y Renoir—, y el primer lienzo que surgirá de este movimiento artístico será Impresión, sol naciente, y que, de hecho, dará su nombre al movimiento. Esta pintura se presentará al público en la primera exposición impresionista en 1874. Este será el año que marcará el apogeo del Impresionismo y definirá a Claude Monet como uno de los creadores del movimiento. A pesar de la crítica satírica, los impresionistas presentarán seis exposiciones hasta 1882. Las continuas compras de Durant-Ruel le permitirán a Claude Monet vivir dignamente sin necesidad de participar en los Salones oficiales.

En 1883, se traslada definitivamente a Giverny con su amiga Alice Hoschedé, los seis hijos que ella tuvo con Ernest Hoschedé y sus dos hijos propios; su último hijo no llegará a conocer a su madre, muerta en el parto en 1879. Giverny se convertirá en un verdadero remanso de paz para Monet. A pesar de los numerosos viajes que realizará para inspirarse con los diferentes paisajes franceses, finalmente será en 1890 cuando decidirá comprar la casa en la que vivía en Giverny, y cuyos jardines le inspirarán para crear obras tan famosas hoy en día como la serie de los Nenúfares. El 5 de diciembre de 1926, Monet fallece en su casa de Giverny rodeado por su familia. Tras su fallecimiento, se creará la fundación de Monet para conservar el patrimonio de Giverny y abrirlo al público.

Visitar Giverny es ideal para descubrir el entorno que ha sido una gran fuente de inspiración para el pintor, y contemplar las pinturas de Claude Monet y otros grandes artistas impresionistas en el Museo de los Impresionismos.

https://www.pariscityvision.com/es/giverny/claude-monet-biografia

HISTORIA DEL ARTE

APOLO Y DAFNE 

Apolo y Dafne es una escultura en mármol del artista italiano Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598 - Roma, 1680), realizada entre los años 1622 y 1625 por encargo del cardenal Scipione Borghese.

Inspirada en la literatura mítica, la obra destaca por su teatralidad y dinamismo, rasgos propios de una época en conmoción como el período barroco, que ha dejado atrás la mirada clásica y equilibrada del Renacimiento.

El arte barroco en Occidente expresaba una nueva sensibilidad. El racionalismo, el orden y la sobriedad del Renacimiento habían agotado su discurso, y urgía la expresión de las emociones, del caos y de la exuberancia, pues el barroco fue, sin duda, un período de dramáticos cambios históricos y culturales.

Aún así, el barroco no deja atrás las fuentes literarias del pasado. Lo que hará será mirarlas con ojos nuevos, unos ojos con más preguntas que respuestas, que se interrogan sobre el fondo último de aquellas historias y los modos de representarlas, sobre los sentimientos que habrían podido animar a aquellos personajes retratados, en fin, sobre la cualidad de la existencia humana. Con estos ojos, Bernini contempla el mito de Apolo y Dafne, descrito en La metamorfosis de Ovidio.

https://www.culturagenial.com/es/apolo-y-dafne-de-bernini/ 

HISTORIA DEL ARTE

LA GIOCONDA 

 La Gioconda o Mona Lisa es uno de los retratos más emblemáticos de la historia de la pintura. Pintado por Leonardo Da Vinci en el siglo XVI, entró a las colecciones de la corte de Francia para finalmente formar parte de las obras de Arte exhibidas en el Museo del Louvre.

Un cuadro en las valijas de Leonardo Da Vinci

Se dice que Leonardo Da Vinci habría llevado el retrato de la Gioconda consigo cuando fue invitado a Francia por el rey Francisco I. La historia cuenta que el artista y científico italiano tenía el retrato femenino durante su estancia en el castillo de Clos Lucé (conocido también como mansión de Cloux), cerca de Amboise (castillo del Loira).

Desde entonces, la Gioconda formó parte de las colecciones reales y fue exhibida en el castillo de Versalles durante el reinado de Luis XIV. Llegó al Louvre en 1797.

Una estética con referencias

La técnica de composición de la Gioconda hace que esta sea una de las obras más estudiadas de la historia del arte y por los artistas aprendices. Es apreciada por su encuadre muy moderno, como un retrato que se podría realizar en nuestros días. Más sutilmente, se crean efectos ópticos por la ubicación de los ojos de la joven y su sonrisa discreta. Hay quienes dicen que se siente la impresión de ser observado constantemente por la Gioconda, cualquiera sea la posición desde la que uno la mire. Esta anécdota demuestra los conocimientos científicos y anatómicos de Leonardo Da Vinci. En cuanto a la célebre sonrisa de la Mona Lisa, hay testimonios de que un grupo de músicos tocaba durante las horas de trabajo del pintor para que ella mantuviese esa actitud alegre.

El fondo también es un caso de estudio. La técnica del sfumato se utiliza para crear una perspectiva que se funde con suavidad.

La construcción de la leyenda de la Gioconda

Sin duda, esos misterios hicieron que la Mona Lisa llegara a ser tan famosa. Sin embargo, ¿es verdaderamente Lisa la retratada? Se ha informado que el patrocinador del cuadro de Leonardo Da Vinci era un noble instalado en Florencia. Francesco del Giocondo enviudó dos veces y en 1495 se casó con una joven llamada Lisa. De esta historia surge el nombre con el que se conoce a este pequeño cuadro de 77 x 53 cm. Según otra teoría, la joven representada era una favorita de Juliano de Médici, dirigente de la República florentina. Hasta hoy, el misterio sigue sin resolverse.

La Gioconda se hizo popular para el público en general por la amplia difusión de su robo, en 1911. La prensa cubrió el hecho: se preguntaba quién podría haber robado la Gioconda, por qué y, sobre todo, ¡cómo! El cuadro se recuperó; el culpable era un italiano muy chauvinista llamado Vincenzo Peruggia. Su acto se basó en su deseo de restituir la obra a su país natal.

La Gioconda en la cultura popular

En 1919, Marcel Duchamp no dudó en tomar el retrato de la Mona Lisa para emitir su propia versión. Le escribió «LHOOQ», que en inglés se lee «look» ("Mira") y en francés, si se lee letra por letra, suena como una broma obscena. En 2003, los más de 80 millones de ejemplares vendidos de la novela de Dan Brown el dieron a la Gioconda una nueva dimensión. Esta constituye el centro de uno de los misterios enunciados en "El código Da Vinci", la novela de suspenso esotérica de éxito internacional.

La Gioconda nunca deja de sorprendernos. Sus misterios atraen al público al punto de convertirla casi en el icono del Museo del Louvre. Para verla, vaya al Departamento de Pinturas del Louvre, Ala Denon, sala 6.

https://www.pariscityvision.com/es/paris/museos/museo-louvre/gioconda-historia-misterios 

HISTORIA DEL ARTE

 PÓRTICO DE LA GLORIA

La entrada oeste de la Catedral fue rematada en el año 1188 con la obra cumbre de la escultura románica: el Pórtico de la Gloria. Este soberbio conjunto de tres arcos, esculpido por el Maestro Mateo en sólo 20 años, dota al atrio del templo de un poderoso simbolismo cuya lectura engarzaba con la de las restantes fachadas exteriores: pecado original, Redención y Juicio Final. Más de 200 figuras de granito, tan vívidas y expresivas como no se habían representado nunca en la Edad Media, interaccionan como en un cuadro animado para componer un mensaje teológico centrado en la Salvación del Hombre.

El Pórtico, además, debe ser entendido como un conjunto simbólico de la Jerusalén Celeste formado por la cripta inferior, el propio pórtico de tres arcos y la galería de la tribuna, en la parte superior del templo, equivalentes a la Tierra, el Juicio Final y la Gloria.

Arco central

El Pórtico se compone de tres arcos, uno por cada nave de la Catedral, con sus respectivos tímpanos, arquivoltas y columnas; un zócalo inferior, una columna central o parteluz, lienzos de la contrafachada (hacia la fachada del Obradoiro) y bóveda.

En el arco central se eleva la visión apocalíptica de la Jerusalén Celeste: Cristo resucitado, rodeado por los cuatro Evangelistas y sus emblemas: Lucas escribe su Evangelio sobre el toro, Juan, sobre el águila; Marcos, sobre el león, mientras Mateo aparece con su caja de recaudador de impuestos. Entre ellos aparecen los Justos y debajo, un cortejo de ángeles que porta los instrumentos de la Pasión (columna, cruz, corona de espinos, lanza, etc). Sobre este conjunto, en la arquivolta, los 24 ancianos del Apocalipsis conversan entre sí mientras afinan los instrumentos con los que entonarán el canto de la Gloria.

Parteluz y zócalo

El patrón de la Catedral, Santiago Apóstol, preside la columna central de mármol. Este parteluz, labrado con el Árbol de Jesé o genealogía de Cristo, muestra a media altura las profundas huellas de las manos peregrinas.

El basamento que recorre el Pórtico representa monstruos, fieras y héroes de la Antigüedad aplastados por el triunfo de la Iglesia. Para otros autores, simbolizan un pasaje del Libro de Daniel.

Detrás de la columna se halla la figura del Maestro Mateo arrodillado, mirando devotamente al altar. A su lado está enterrado el arzobispo Pedro Muñiz (s. XIII), que consagró la Catedral en 1211.

Arcos laterales

Toda la mitad izquierda del Pórtico está dedicada al Antiguo Testamento o al Pueblo Judío, mientras que la mitad derecha representa el Nuevo Testamento y a los Gentiles.

El arco lateral izquierdo dae apoya sobre columnas que muestran a los profetas: de adentro hacia afuera, Moisés, Isaías, Daniel y Jeremías. Entre los rostros destaca la sonrisa de Daniel, que hizo historia por su naturalidad. Eran los primeros pasos del gótico en Compostela, anunciados también por la bóveda de crucería: es probable que el Maestro Mateo haya introducido este tipo de bóveda en España, pues ninguna es anterior a la que él usó en la cripta que sustenta el basamento del Pórtico. Pero hay quien prefiere ver en esa sonrisa del joven profeta un guiño hacia la figura de la bella Esther, junto a las puertas del Obradoiro, acompañada de otras figuras del Antiguo Testamento que hacen pensar a algunos estudiosos que el Pórtico es la representación en piedra de un drama litúrgico medieval, el Ordo Prophetarum. Esta pieza de música sacra es de hecho escenificada todos los años alrededor de Navidad en la Catedral.

El arco derecho, por su parte, se dedica al Juicio Final, y se apoya sobre figuras de apóstoles: Pedro, Pablo, Santiago y Juan, cuyo rostro también esboza una sonrisa. En las arquivoltas llama la atención la gráfica representación de los tormentos a los que son sometidos los condenados al Infierno: el bebedor trata de ingerir líquidos boca abajo; el goloso intenta comer una empanada mientras una serpiente le oprime la garganta; los avaros aparecen atados de pies y manos…

Frente a esta escena, junto a las puertas del Obradoiro, aparecen personajes del Nuevo Testamento como San Judas Tadeo, San Juan Bautista, San Bartolomé y Santo Tomás. De ellos suele decir la gente que están conversando, por lo que el Bautista los estaría riñendo y rogando silencio en el templo.

https://www.santiagoturismo.com/percorrido/portico-da-gloria

HISTORIA DEL ARTE

 Esta asignatura la imparte Mikel y consta de 4 horas a la semana. 

En este primer examen entra arte griego y romano. Constan con un número de láminas en el que se describe un edificio o una escultura de el arte antiguo.

Un ejemplo de Grecia es el Partenón y de Roma el Panteón de Agrippa.

Información sobre el Panteón de Agrippa:

En el año 27 a.C. el primer Panteón fue construido por Marco Vipsanio Agrippa, general del emperador César Augusto en el siglo I antes de Cristo, fue destruido por un incendio en el año 80.

GRABADO DE GIOVANNI PIRANESI-XVIII

Aproximadamente, a finales del año 118 Adriano mandó construir, sobre los cimientos del templo arrasado por el fuego, y en nombre de Agrippa, un nuevo templo de cuyo proyecto se encargó el gran arquitecto Apolodoro de Damasco . Se levantó un templo circular dedicado a todos los dioses de Roma, la palabra “panteón” derivada del griego, significa “todos los dioses. En esta construcción los romanos llegaron a una perfección técnica nunca alcanzada hasta ese momento, al resolver por un lado problemas de peso y empuje y por el otro de estructura.

En el año 608 el emperador de Oriente, Foca, hizo donación del templo al papa Bonifacio IV, que lo transformó en una iglesia católica dedicada a la Virgen María, es el primer caso de transformación de un templo pagano en templo católico.

• Miguel Ángel escribió de él: «Diseño angélico y no humano»
• Stendhal también dejó escrito: «El más bello recuerdo de la antigüedad romana es sin dudas el Panteón. Este templo ha sufrido tan poco, que aparenta estar igual que en la época de los romanos.»

Este templo romano guarda los restos del pintor renacentista Rafael (1483-1520) y del rey italiano Víctor Manuel II (1820-1878)

Ubicación

El Panteón de Agrippa está en la Plaza de la Rotonda, Roma, junto a las antiguas termas de Agrippa, de las cuales aún emergen restos en las excavaciones del suelo en la parte posterior del templo.

Concepto

El edificio estaba concebido para unir al hombre con la divinidad, pero sobre todo con el emperador, proclamado dios a ojos del pueblo. Las proporciones y estructura del Panteón son representativas de esta concepción religiosa romana, la morada de los dioses, la centralización de la gran variedad de cultos en la Roma  de la época. Una arquitectura de síntesis entre el cielo y la tierra, “como arriba es abajo – como abajo es arriba”.

Por este motivo el edificio tiene una planta circular cerrada por una cúpula. La sala circular era una esfera perfecta, representación de la concepción cosmogónica de Aristóteles. Por un lado el mundo infralunar corresponde a la mitad inferior del edificio. El mundo supralunar, la esfera celeste, es la vuelta, en la que el óculo central hace de Sol.

Espacios

En el Panteón que fue construido bajo el mandato de Adriano, se cambió la orientación con respecto al Panteón precedente, ya que se decidió poner la fachada principal hacia el norte. El edificio quedó compuesto por una columnata a modo de pronaos, una amplia celda redonda y una estructura prismática intermedia.

https://es.wikiarquitectura.com/edificio/panteon-de-agripa/